Le parcours de l’artiste Chuck Close

Au fil de ses portraits très grand, l’artiste et professionnel de la photographie d’Amérique du Nord, l’artiste Chuck Close est devenu marquant en tant qu’artiste de l’hyperréalisme.

Bien qu’une grosse chute de l’artère vertébrale quand il avait 48 ans l’immobilisant de ses mouvements pour toujours, il a continué à créer des tableaux et à produire plusieurs peintures recherchées par les musées d’art et les acheteurs de peintures contemporaines.

Produisant à partir d’une image munie d’une grille, il construit ses images en appliquant un coup prudent après un autre, choisissant des fois les gris, des fois la nuancent.

Il travaille systématiquement, à partir de son guide depuis le coin gauche du tableau.

L’histoire du cubisme

Publié par Picasso et Braque, au vingtième siècle, le cubisme est un style artistique précurseur qui a agité l’art. Picasso et Braque, en compagnie de certains d’artistes, de 1907 à 1914, développent le cubisme, l’un des mouvements les des plus novateurs de l’histoire du monde de l’art moderne. Au long de sa carrière, 1881 à 1973, Pablo Picasso a réalisé une quantité exceptionnelle d’œuvres et il est considéré comme le père du style cubiste.

Picasso, avec Braque, a agité le monde de l’art et créé le cubisme. Jusqu’au moment qu’il doit délaisser Paris pour partir combattre à la Grande Guerre, l’artiste créa beaucoup d’oeuvres associées au cubisme.

L’appellation cubisme se manifeste en 1908. C’était le travail du peintre Paul Cézanne et les arts d’Afrique qui a incité les artistes à faire des tableaux d’art cubistes. Le style cubiste puise ses idées également du monde de l’art d’Afrique. L’artiste francophone Paul Cézanne laissé ça marque le monde de l’art à point avec sa peinture avant-gardiste et sa façon de peindre d’importants tableaux considérés comme si avérant être « le cubisme cézanien ». Déterminé grâce à ses contours accentués, des corps importants et une grande rusticité quelquefois qui donnent l’impression du chaos, le cubisme cézanien assemble beaucoup d’importantes œuvres, dont les demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso.

Le style cubiste analytique, la première étape mémorable du style cubiste, se voulait une réflexion de l’objet sur le reproduire au moyen de formes géométriques bêtes.

L’ultime période du style cubiste prend place, vers 1912-14. Relativement au style analytique du cubisme, il s’agit d’une épuration complète du style. Les tests visuels libres et les illusions, sont plutôt sur quoi se soucie le cubisme synthétique.

Un peu énigmatique, la période orphique (1914-1920) du style cubiste. Dû à ses analogies avec la mythologie de la Grèce et les dogmes de Pythagore, ce mouvement est plus concerné par le symbole et le sens du sujet.

Philosophie du classicisme

Le classicisme, dans les arts, se réfère habituellement à un mouvement artistique postmédiéval qui a une éminente estime l’Antiquité classique, faisant de ce stade le standard de style à copier. Avec des racines du grec antique, mais aussi de Rome, mais aussi qui trouve le ton à la société, la philosophie de l’ère du classicisme se formule dans la littérature, l’architecture, le monde de l’art, mais aussi la musique. Au Siècle des lumières, ce fût essentiellement traduit via le néoclassicisme.

Les arts antiques grecs ont expérimenté une grande influence à la culture d’une multitude de peuples partout dans le monde, clairement dans les aspects des styles de sculpture, mais aussi de l’architecture. En Grèce antique, il y a diverses coutumes associées de peinture. En raison de leurs contrastes de méthodes, elles ont subi des évolutions distinctes.

Poussin (1594-1665) est un peintre francophone de style classique. Il conçoi diverses peintures pour les temples souverains, mais aussi l’artiste reçoit l’appellation de 1er peintre de la cour du roi par Louis xiii. Son travail se base essentiellement à la clarté, la logique, mais aussi l’ordre, mais aussi favorise la ligne à la couleur. Son travail est une alternative au style baroque, prépondérant au 17e siècle. Pour les artistes comme Jacques-Louis David, Paul Cézanne, mais aussi Jean-Auguste-Dominique Ingres, qui sont formés vers le classicisme, ce fût resté la source d’aspiration numéro un pour eux jusqu’au xxe siècle.

Charles Le Brun est un peintre classique francophone, mais aussi théoricien du monde de l’art. confirmé par louis le grand comme l’illustre artiste francophone à jamais, ce fût une idole du monde de l’art francophone du 17e siècle. Né à paris, l’artiste captive le chancelier Pierre Séguier, qui le place à l’âge de 11 ans dans le studio de Simon Vouet. Pour un laps de temps, il est aussi l’écolier du peintre François perrier. À 15 ans, l’artiste reçoit des demandes du cardinal de richelieu, mais aussi dans son travail, l’artiste fait preuve d’une faculté qui mérite les encensements généreux de Poussin, avec qui Le Brun s’en va pour Rome au milieu du 17e siècle.

Le pop art au travers des oeuvres

L’américain Andy Warhol était un artiste mondialement connu Icône célèbre du mouvement pop art, il avait enflammé l’art et séduit les artistes encore aujourd’hui. Il a entamé sa carrière professionnelle en devenant dessinateur en publicité à New York. Andy Wahrol commença assurément ses séries d’oeuvres qui le propulserais à être mondialement réputé en accomplissant des sérigraphies avec d’objets de grande consommation comme principal sujet de ses oeuvres d’art. L’essor fut à toute vitesse au rendez-vous. Il n’a pas été qu’un artiste publicitaire. Andy Wahrol, jusqu’à sa mort, a eu conception singulière sur le monde et perpétue, par ses oeuvres de références, à inspirer les passionnés d’art.

L’américain Roy Lichtenstein est évidemment l’un des artistes les plus marquants du mouvement pop-art. De nos jours, Roy Lichtenstein est la tête la plus connue de ce mouvement avec ses oeuvres innovateurs et remarquables. Roy Lichtenstein commença à peindre en soixante et un, temps où il sort l’une de ses peintures les plus illustres. La majeure partie de ses peintures l’artiste Roy Lichtenstein s’inspira profondément de la bd, ce qui lui donna un style propre à lui et un succès retentissant. Toujours aujourd’hui, les critiques estiment qu’il existe un total de 4500 toiles de l’artiste Roy Lichtenstein en circulation.

L’artiste anglais Richard Hamilton est né le 24 février 1922 et décédé le 13 septembre 2011. Artiste précurseur du mouvement artistique pop art britannique et même connu comme le géniteur de ce courant artistique, il a réprimé la culture des médias de masse comme on pu le faire ses confrères de l’autre coté de l’atlantique. C’est primo avec l’abstraction que le Britannique Richard Hamilton se dénichera des affinités. Hamilton se penchera finalement vers un style beaucoup plus figuratif dans les années cinquante, cela correspondra avec l’époque où il croisera beaucoup d’autres artistes et où il fera la découverte avec fougue le travail de la figure phare du dadaïsme, Marcel Duchamp. C’est en 1956 que le peintre Richard Hamilton se joint au « Independant Group ». Dans son art, Richard Hamilton dénonce les procédés publicitaires et la société de consommation de masse où l’on utilise des objets pour les jeter immédiatement. Le peintre britannique est aujourd’hui considéré, et à juste titre, comme l’un des pères du pop art, tel Andy Warhol.

Art contemporain

Voici une oeuvre d’art contemporaine célèbre pour regarder à tout prix.

Aérographie

L’utilisation du pistolet aérographe varie selon la surface enduite de peinture et le résultat convoité par le peintre. En plus du bon pistolet vaporisateur à peinture, l’artiste peintre-aérographeur doit veiller à ce de conserver la juste pression d’air.

La peinture peut éventuellement être apposée sur différente zone de travail, comme de la toile, du métal ou du carton. En utilisant une gâchette équipée d’une aiguille excessivement petite qui active l’ouverture au degré convoité par le peintre, le peintre maîtrise la dose de peinture atomisée. Cette ouverture maîtrise le dosage de peinture à envoyer sur la surface. 3 catégories aux caractéristiques distinctes rassemblent tous les genres d’aérographes. Dépendamment de l’expérimentation et le budget du peintre, quelque genre d’airbrush sont plus adaptés à ses besoins. Le principal attribut est la manoeuvre effectuée par le peintre pour lancer le déversement de la peinture. Le système pour approvisionner la peinture dans la chambre intérieure du vaporisateur, est la seconde et le centre à partir duquel la peinture et l’air se combinent, est le 3e.

La peinture à l’aérographe est excessivement commune dans la manipulation photographique, et dans la fabrication d’illustration commerciale et dans l’illustration de livres. L’aérographe a été utilisé pour remanier la photographie, un certain temps avant l’avènement du digital.

La peinture à l’aérographe est utilisée par l’équipe maquillage au petit écran comme au théâtre pour mettre facilement des produits de maquillage. La manière habituelle avantage l’application au pinceau, tandis que l’aérographe atomise le maquillage sur le corps.

Artistes du mouvement expressionnisme abstrait

Pouvant vivre totalement indépendamment des formes classiques, grâce à ces couleurs, ces formes, mais aussi ces lignes produisant un agencement, ce fut simplement d’alléguer que l’art abstrait est un style artistique qui a ses propres liens picturaux.

Le mouvement artistique de l’expressionnisme abstrait est apparu quelque temps après la guerre 39-45. C’était le premier mouvement artistique spécifiquement d’Amérique à pratiquer une domination mondiale. La cité de Paris, qui était le milieu de l’univers de l’univers des arts de l’occident, fut remplacée par la cité de New York, grâce à ce mouvement.

Arshile Gorky, né Vosdanig Manoug Atoian, autour du 15 avril 1904, dedans le village de Khorgom géolocalisé sur les rives de la mer de Bznunik, est décédé le 21 juillet 1948. Dedans les années 40, lorsque Gorki a présenté ses dernières peintures à André Breton, mais aussi plus essentiellement Le foie est la tête du coq, Breton a déclaré l’oeuvre du peintre comme étant l’une des oeuvres les plus essentielles réalisées chez les Américains. Pendant les années 1940, le style radical de Pollock a bouleversé le potentiel de tous les arts contemporains qui a suivi. Dedans une certaine mesure, Pollock s’est aperçu que le chemin en direction de la fabrication d’un tableau était aussi indispensable que la peinture elle-même. Né en 1880 en Bavière, le célèbre artiste abstrait Hans Hofmann est décédé le 17 février 1966. C’était un peintre d’Amérique de souche allemande extrêmement actif dedans le mouvement expressionniste abstrait.

Histoire du mouvement dadaïstes

À un moment, à Zurich (suisse), un groupe d’artistes phare pris la décision, face l’absurdité du conflit sanglant, de reconstruire un Nouveau Monde. Ils prirent la décision de recommencer depuis le début, mais aussi de défoncer les limites de la création artistique. Le dada, ou le dadaïsme étaient un courant intellectuel, mais aussi des arts, apparu pour la première fois à Zurich (suisse) en 1916. Plusieurs protagonistes du monde des arts contemporains de cette période donnent naissance au courant, lors d’un soir du 2e mois de l’année, au fameux cabaret Voltaire.

En Europe comme chez les Américains, de jeunes artistes tels que Hugo Ball, Marcel Duchamp, Tristan Tzara, mais aussi Marcel Janco remanient les arts en réalisant à travers leurs créations une véritable poursuite de leur autonomie, de la légèreté, mais aussi du rire. Dada avait pour vocation, face la Première Guerre mondiale mondiale, de rebondir face à la monstruosité de cette guerre. Par maints jeux de langage, les artistes Dada, jeunes pendant la GrandeGuerre, désirent donner une signification joyeuse à tous les mots, de se renouveler avec le langage, mais aussi la rationalité du monde, instaurer une perception, mais aussi des vertus nouvelles, plus près de leurs réalités.

Le dadaïsme était né à Zurich (suisse), il connaît à Paris une agitation sans pareil. Dès que Tristan Tzara dépose sa valise à Paris, il rencontre trois jeunes auteurs, André Breton, Louis Aragon, mais aussi Philippe Soupault, qui ont lu son manifeste Dada mais aussi qui adhèrent à ses idées. Parti s’installer chez les Américains, mais aussi chez les Japonais, le dada Dada, s’étend très rapidement après sa fondation, même au-delà des pays d’Europe.

En 1915, Marcel Duchamp, mais aussi Francis Picabia débarque à New York, dans l’optique d’y amener la philosophie Dada. Malgré des initiales créations qui causent des vagues dans les la moralité aux États-Unis le dada acquiert avec rapidité une grande renommée. Marcel Duchamp était l’une des icônes du courant Dada. Raoul Haussmann a été l’une des célébrités du dadaïsme allemand. Prenant de l’ampleur dans plusieurs divisions de la création artistique contemporaine, le membre principal du regroupement dadaïsme à Berlin, à une influence outrepassant les limites du dadaïsme. Le courant Dada était l’un des premiers à réclamer un équilibre complet entre la plasticienne, mais aussi l’artiste au masculin. La pionnière dada Hannah Höch, dadaïste à ces côtés de la fondation du courant jusqu’à sa fin, s’en avère être un exemple éloquent.

Courte histoire de l’hyperréaliste Ron Mueck

C’était en élaborant des personnages pour pour le petit écran que Ron Mueck, né à Melbourne, amorce son travail.

C’était au début de l’année 1996 qu’il se tourne vers l’art plastique, quand sa belle-mère, l’artiste sud-européenne de renommée Paula Reggo, lui commande de conceptualiser des petites figurines pour l’une de ses peintures. Séduite avec l’opération de Mueck, elle le dévoile au grand collectionneur Charles Saatchi. La carrière de Ron Mueck est sans attendre en vogue.

Dans les années 90, il dévoile Dead Dad, une oeuvre très détaillée représentant son papa sur le point de mourir. Mueck ensorcelle à nouveau au début du 21iem siècle durant l’exposition de Venise avec l’oeuvre gigantesque d’un petit garçon en culotte, intitulé garçon.

Avec le goût d’élaborer des sculptures de tous les angles, le sculpteur australien s’applique à briser toutes les limites entre œuvre, mais aussi observatrices, invitant ce dernier dans le secret de l’oeuvre. Avec un pied dedans le monde tangible, mais aussi l’autre dans la bulle personnelle du sculpteur, les œuvres d’art de Mueck divulguent, grâce à leur haute définition biologique, figée dedans le polysiloxane, mais aussi la peinture à l’huile, démontrent une certaine curiosité pour la mort. Une impression de subversion chez l’observateur est créée par les formes démesurées de différentes sculptures.

Art sacré à la période médiéval en france

L’art gothique est ce courant artistique moyenâgeux qui s’est développé dans la France romane au milieu du douzième siècle.

Mené par le développement synchronisé de l’architecture gothique, l’art gothique se développe à l’ensemble de l’Europe occidentale, par contre domine surtout l’art au nord des Alpes. Des formes plus classiques en Italie ne seront pas au complet abolies à travers l’art gothique. Le caractère élaboré du gothique international continue son changement et se métamorphose pouvant aller à la fin du quinzième siècle. Pendant cette époque, les oeuvres d’art portables comme les manuscrits enluminés et les artistes se déplacent pas mal en parcourant les pays, réduisant abondamment, la variation de formes nationales parmi les oeuvres d’art faites pour la crème du royaume et réalisant un style commun sur la royauté et de la haute noblesse.

L’art sacré, aussi appelé art religieux, est une forme d’imagerie artistique, qui compose des icônes d’inspiration religieuse la plupart du temps destinées à élever la conscience vers l’univers spirituel. L’art sacré entraine des méthodes de rite et de culte, et les sujets méthodes et opérationnels du cheminement de la fabrication spirituelle sur les traditions religieuses de l’artiste.

Avant d’être incorporé à travers l’art de la Renaissance, l’art gothique tardif continu jusqu’au seizième siècle dans de nombreux emplacements, par exemple en Allemagne. À l’époque gothique, la sculpture, la peinture sur bois, les vitraux, les fresques et les manuscrits enluminés sont les médias élémentaires utilisés par les artistes.

La peinture gothique comme qu’on la connaît ne fait pas son apparition avant environ 1200, soit presque 50 années après les racines de l’architecture et la sculpture gothique. La transition de l’art roman au gothique est excessivement indéfinie et les petits détails ornementaux gothiques apparaissent avant qu’une mutation caractéristique ne soit remarquée à l’intérieur du caractère des figures aussi appelé des compositions elles-mêmes.

C’était sur un mur du monastère de Saint-Denis, en Île-de-France, que les sculptures gothiques sont apparues, au milieu du douzième siècle. La sculpture gothique change du style rigide et allongé, encore en terre romane, à un caractère plus naturaliste vers la fin du douzième siècle. Dans le traitement de la draperie, l’expression faciale et la position, les influences des vieilles sculptures grecques et romaines y sont mélangées.