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chuck-close-self-portrait-2009Au fil de ses portraits très grand, l’artiste et professionnel de la photographie d’Amérique du Nord, l’artiste Chuck Close est devenu marquant en tant qu’artiste de l’hyperréalisme.

Bien qu’une grosse chute de l’artère vertébrale quand il avait 48 ans l’immobilisant de ses mouvements pour toujours, il a continué à créer des tableaux et à produire plusieurs peintures recherchées par les musées d’art et les acheteurs de peintures contemporaines.

Produisant à partir d’une image munie d’une grille, il construit ses images en appliquant un coup prudent après un autre, choisissant des fois les gris, des fois la nuancent.

Il travaille systématiquement, à partir de son guide depuis le coin gauche du tableau.

famous-paintings-picasso-cubism-galleryPublié par Picasso et Braque, au vingtième siècle, le cubisme est un style artistique précurseur qui a agité l’art. Picasso et Braque, en compagnie de certains d’artistes, de 1907 à 1914, développent le cubisme, l’un des mouvements les des plus novateurs de l’histoire du monde de l’art moderne. Au long de sa carrière, 1881 à 1973, Pablo Picasso a réalisé une quantité exceptionnelle d’œuvres et il est considéré comme le père du style cubiste.

Picasso, avec Braque, a agité le monde de l’art et créé le cubisme. Jusqu’au moment qu’il doit délaisser Paris pour partir combattre à la Grande Guerre, l’artiste créa beaucoup d’oeuvres associées au cubisme.

L’appellation cubisme se manifeste en 1908. C’était le travail du peintre Paul Cézanne et les arts d’Afrique qui a incité les artistes à faire des tableaux d’art cubistes. Le style cubiste puise ses idées également du monde de l’art d’Afrique. L’artiste francophone Paul Cézanne laissé ça marque le monde de l’art à point avec sa peinture avant-gardiste et sa façon de peindre d’importants tableaux considérés comme si avérant être « le cubisme cézanien ». Déterminé grâce à ses contours accentués, des corps importants et une grande rusticité quelquefois qui donnent l’impression du chaos, le cubisme cézanien assemble beaucoup d’importantes œuvres, dont les demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso.

Le style cubiste analytique, la première étape mémorable du style cubiste, se voulait une réflexion de l’objet sur le reproduire au moyen de formes géométriques bêtes.

L’ultime période du style cubiste prend place, vers 1912-14. Relativement au style analytique du cubisme, il s’agit d’une épuration complète du style. Les tests visuels libres et les illusions, sont plutôt sur quoi se soucie le cubisme synthétique.

Un peu énigmatique, la période orphique (1914-1920) du style cubiste. Dû à ses analogies avec la mythologie de la Grèce et les dogmes de Pythagore, ce mouvement est plus concerné par le symbole et le sens du sujet.

Poussin_Inspiration_of_the_poet_LouvreLe classicisme, dans les arts, se réfère habituellement à un mouvement artistique postmédiéval qui a une éminente estime l’Antiquité classique, faisant de ce stade le standard de style à copier. Avec des racines du grec antique, mais aussi de Rome, mais aussi qui trouve le ton à la société, la philosophie de l’ère du classicisme se formule dans la littérature, l’architecture, le monde de l’art, mais aussi la musique. Au Siècle des lumières, ce fût essentiellement traduit via le néoclassicisme.

Les arts antiques grecs ont expérimenté une grande influence à la culture d’une multitude de peuples partout dans le monde, clairement dans les aspects des styles de sculpture, mais aussi de l’architecture. En Grèce antique, il y a diverses coutumes associées de peinture. En raison de leurs contrastes de méthodes, elles ont subi des évolutions distinctes.

Poussin (1594-1665) est un peintre francophone de style classique. Il conçoi diverses peintures pour les temples souverains, mais aussi l’artiste reçoit l’appellation de 1er peintre de la cour du roi par Louis xiii. Son travail se base essentiellement à la clarté, la logique, mais aussi l’ordre, mais aussi favorise la ligne à la couleur. Son travail est une alternative au style baroque, prépondérant au 17e siècle. Pour les artistes comme Jacques-Louis David, Paul Cézanne, mais aussi Jean-Auguste-Dominique Ingres, qui sont formés vers le classicisme, ce fût resté la source d’aspiration numéro un pour eux jusqu’au xxe siècle.

Charles Le Brun est un peintre classique francophone, mais aussi théoricien du monde de l’art. confirmé par louis le grand comme l’illustre artiste francophone à jamais, ce fût une idole du monde de l’art francophone du 17e siècle. Né à paris, l’artiste captive le chancelier Pierre Séguier, qui le place à l’âge de 11 ans dans le studio de Simon Vouet. Pour un laps de temps, il est aussi l’écolier du peintre François perrier. À 15 ans, l’artiste reçoit des demandes du cardinal de richelieu, mais aussi dans son travail, l’artiste fait preuve d’une faculté qui mérite les encensements généreux de Poussin, avec qui Le Brun s’en va pour Rome au milieu du 17e siècle.

2676L’utilisation du pistolet aérographe varie selon la surface enduite de peinture et le résultat convoité par le peintre. En plus du bon pistolet vaporisateur à peinture, l’artiste peintre-aérographeur doit veiller à ce de conserver la juste pression d’air.

La peinture peut éventuellement être apposée sur différente zone de travail, comme de la toile, du métal ou du carton. En utilisant une gâchette équipée d’une aiguille excessivement petite qui active l’ouverture au degré convoité par le peintre, le peintre maîtrise la dose de peinture atomisée. Cette ouverture maîtrise le dosage de peinture à envoyer sur la surface. 3 catégories aux caractéristiques distinctes rassemblent tous les genres d’aérographes. Dépendamment de l’expérimentation et le budget du peintre, quelque genre d’airbrush sont plus adaptés à ses besoins. Le principal attribut est la manoeuvre effectuée par le peintre pour lancer le déversement de la peinture. Le système pour approvisionner la peinture dans la chambre intérieure du vaporisateur, est la seconde et le centre à partir duquel la peinture et l’air se combinent, est le 3e.

La peinture à l’aérographe est excessivement commune dans la manipulation photographique, et dans la fabrication d’illustration commerciale et dans l’illustration de livres. L’aérographe a été utilisé pour remanier la photographie, un certain temps avant l’avènement du digital.

La peinture à l’aérographe est utilisée par l’équipe maquillage au petit écran comme au théâtre pour mettre facilement des produits de maquillage. La manière habituelle avantage l’application au pinceau, tandis que l’aérographe atomise le maquillage sur le corps.

awesome-mak-rothka-surreal-paintingPouvant vivre totalement indépendamment des formes classiques, grâce à ces couleurs, ces formes, mais aussi ces lignes produisant un agencement, ce fut simplement d’alléguer que l’art abstrait est un style artistique qui a ses propres liens picturaux.

Le mouvement artistique de l’expressionnisme abstrait est apparu quelque temps après la guerre 39-45. C’était le premier mouvement artistique spécifiquement d’Amérique à pratiquer une domination mondiale. La cité de Paris, qui était le milieu de l’univers de l’univers des arts de l’occident, fut remplacée par la cité de New York, grâce à ce mouvement.

Arshile Gorky, né Vosdanig Manoug Atoian, autour du 15 avril 1904, dedans le village de Khorgom géolocalisé sur les rives de la mer de Bznunik, est décédé le 21 juillet 1948. Dedans les années 40, lorsque Gorki a présenté ses dernières peintures à André Breton, mais aussi plus essentiellement Le foie est la tête du coq, Breton a déclaré l’oeuvre du peintre comme étant l’une des oeuvres les plus essentielles réalisées chez les Américains. Pendant les années 1940, le style radical de Pollock a bouleversé le potentiel de tous les arts contemporains qui a suivi. Dedans une certaine mesure, Pollock s’est aperçu que le chemin en direction de la fabrication d’un tableau était aussi indispensable que la peinture elle-même. Né en 1880 en Bavière, le célèbre artiste abstrait Hans Hofmann est décédé le 17 février 1966. C’était un peintre d’Amérique de souche allemande extrêmement actif dedans le mouvement expressionniste abstrait.

balance.jpg!BlogÀ un moment, à Zurich (suisse), un groupe d’artistes phare pris la décision, face l’absurdité du conflit sanglant, de reconstruire un Nouveau Monde. Ils prirent la décision de recommencer depuis le début, mais aussi de défoncer les limites de la création artistique. Le dada, ou le dadaïsme étaient un courant intellectuel, mais aussi des arts, apparu pour la première fois à Zurich (suisse) en 1916. Plusieurs protagonistes du monde des arts contemporains de cette période donnent naissance au courant, lors d’un soir du 2e mois de l’année, au fameux cabaret Voltaire.

En Europe comme chez les Américains, de jeunes artistes tels que Hugo Ball, Marcel Duchamp, Tristan Tzara, mais aussi Marcel Janco remanient les arts en réalisant à travers leurs créations une véritable poursuite de leur autonomie, de la légèreté, mais aussi du rire. Dada avait pour vocation, face la Première Guerre mondiale mondiale, de rebondir face à la monstruosité de cette guerre. Par maints jeux de langage, les artistes Dada, jeunes pendant la GrandeGuerre, désirent donner une signification joyeuse à tous les mots, de se renouveler avec le langage, mais aussi la rationalité du monde, instaurer une perception, mais aussi des vertus nouvelles, plus près de leurs réalités.

Le dadaïsme était né à Zurich (suisse), il connaît à Paris une agitation sans pareil. Dès que Tristan Tzara dépose sa valise à Paris, il rencontre trois jeunes auteurs, André Breton, Louis Aragon, mais aussi Philippe Soupault, qui ont lu son manifeste Dada mais aussi qui adhèrent à ses idées. Parti s’installer chez les Américains, mais aussi chez les Japonais, le dada Dada, s’étend très rapidement après sa fondation, même au-delà des pays d’Europe.

En 1915, Marcel Duchamp, mais aussi Francis Picabia débarque à New York, dans l’optique d’y amener la philosophie Dada. Malgré des initiales créations qui causent des vagues dans les la moralité aux États-Unis le dada acquiert avec rapidité une grande renommée. Marcel Duchamp était l’une des icônes du courant Dada. Raoul Haussmann a été l’une des célébrités du dadaïsme allemand. Prenant de l’ampleur dans plusieurs divisions de la création artistique contemporaine, le membre principal du regroupement dadaïsme à Berlin, à une influence outrepassant les limites du dadaïsme. Le courant Dada était l’un des premiers à réclamer un équilibre complet entre la plasticienne, mais aussi l’artiste au masculin. La pionnière dada Hannah Höch, dadaïste à ces côtés de la fondation du courant jusqu’à sa fin, s’en avère être un exemple éloquent.

17C’était en élaborant des personnages pour pour le petit écran que Ron Mueck, né à Melbourne, amorce son travail.

C’était au début de l’année 1996 qu’il se tourne vers l’art plastique, quand sa belle-mère, l’artiste sud-européenne de renommée Paula Reggo, lui commande de conceptualiser des petites figurines pour l’une de ses peintures. Séduite avec l’opération de Mueck, elle le dévoile au grand collectionneur Charles Saatchi. La carrière de Ron Mueck est sans attendre en vogue.

Dans les années 90, il dévoile Dead Dad, une oeuvre très détaillée représentant son papa sur le point de mourir. Mueck ensorcelle à nouveau au début du 21iem siècle durant l’exposition de Venise avec l’oeuvre gigantesque d’un petit garçon en culotte, intitulé garçon.

Avec le goût d’élaborer des sculptures de tous les angles, le sculpteur australien s’applique à briser toutes les limites entre œuvre, mais aussi observatrices, invitant ce dernier dans le secret de l’oeuvre. Avec un pied dedans le monde tangible, mais aussi l’autre dans la bulle personnelle du sculpteur, les œuvres d’art de Mueck divulguent, grâce à leur haute définition biologique, figée dedans le polysiloxane, mais aussi la peinture à l’huile, démontrent une certaine curiosité pour la mort. Une impression de subversion chez l’observateur est créée par les formes démesurées de différentes sculptures.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, 1er Marquis de Púbol (11 Mai 1904 – 23 Janvier 1989), est un peintre espagnol surréaliste né à Figueres.

Dalí fut connu pour ses images surréalistes bizarres et frappantes. Ses compétences en peinture furent souvent attribuées à l’influence des maîtres de la Renaissance. Son ouvrage le plus connu, The Persistence of Memory (la persistance de la mémoire), a été achevé en 1931.

Le répertoire artistique de Salvador Dalí comprend également le cinéma, la sculpture et la photographie. Il a collaboré avec Walt Disney sur le court métrage inachevé Destino, un dessin animé qui a été achevé et publié posthume en 2003. Il a également collaboré avec Alfred Hitchcock sur la séquence de rêve de son film Spellbound 1945.

Dalí attribuait son « amour de tout ce qui est excessif et doré, sa passion pour le luxe et son amour des vêtements orientaux » à une soi-disante « lignée arabe », affirmant que ses ancêtres provenaient de la Maures.
 
Considéré par tous comme ayant une imagination débordante, Dalí avait une affinité à faire des choses inhabituelles afin d’attirer l’attention sur lui-même. Cherché délibérément la notoriété l’a conduit à la reconnaissance du grand public et à l’achats de ses oeuvres par des personnes de tous les milieux de vie.

Un génie du mouvement artistique surréaliste!

Voici une partie du film Destino, écrit par Salvador Dali en 1946 et réalisé par Walt Disney en 2000. Une superbe création du mouvement artistique suréaliste !

L’origine du mot « surréalisme » serait tirée d’une lettre que Guillaume Apollinaire aurait écrite à Paul Dermée en 1917. Il y dit qu’il préférerait le terme surréalisme au lieu de surnaturalisme, car surréalisme n’était pas un mot connu. Certains disent que c’est le poète Pierre Albert-Birot qui aurait proposé à Apollinaire le sous-titre « drame surréaliste » plutôt que « surnaturaliste » pour désigner une pièce de théâtre.

Ainsi, le terme « surréalisme » est né !
  
Le mouvement artistique crée selon de nouvelles techniques qui s’inspire de l’inconscient de l’être et le déconditionnement par l’écriture automatique. Cette technique serait une sorte d’expérimentation scientifique sur l’inconscient en sollicitant un hasard objectif.
 
Le Dada, qui étais un mouvement provocateur et antibourgeois, a engendré le mouvement surréaliste. Les artistes surréalistes ont évolué dans cette lignée subversive. Le surréalisme aurait été inspiré en partie par de grands noms de l’histoire de l’art tels que le poète Charles Baudelaire et Léonard de Vinci. De ces artiste surréalistes, plusieurs noms ont su se faire une place mais nous retenons principalement Max Ernst, Salvador Dali, et même Picasso. De nos jour le terme « surréalisme » est parfois utilisé faussement pour designer simplement un fait étrange ou inhabituel.
 
Pour en savoir plus vous pouvez aller voir Wikipedia et il y a ce site sympathique, consacré a l’art surréaliste : Le-surrealisme.com

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